Quarta-feira, 25 de Fevereiro de 2009

A Arte Medieval - Arte Românica

 

 

A arte românica surgiu em plena época feudal, tendo-se desenvolvido entre os sécs. XI e finais do séc. XII, transformando-se numa arte amadurecida e estruturalmente flexível, que se espalhou por toda a Europa, tornando-se no primeiro estilo internacional da Idade Média. Nesta época, toda a civilização europeia se moveu em nome de uma renovação arquitectónica que foi a expressão mais pura da Fé.

A religião, o temor religioso e o medo do Juízo Final, movimentaram os fiéis nas peregrinações aos principais lugares santos. Os mosteiros e as igrejas que eram centros difusores da religiosidade da época, tinham uma maior importância quando possuíam relíquias de santos, tornando-se, eles mesmos, locais de peregrinação.

As peregrinações e as cruzadas, feitas por populares e nobres, contribuíram em grande parte para a internacionalização da arte do Oriente e do Românico.

O sistema político feudal e a religião foram os dois pólos dinamizadores da arte na sociedade medieval. A arte serviu a majestade do poder temporal e religioso, sendo feita para honorificar ambos.

 

 

 

 

ARQUITECTURA

 

- A arquitectura românica recebeu influências da Antiguidade pagã, do Oriente (nomeadamente da arte bizantina) e dos povos bárbaros e da Irlanda;

- Dividiu-se em dois tipos:

 

» Arquitectura civil e militar

 

- O castelo: Para além do sentido religioso aplicado nas artes em geral, a época necessitou também de uma arquitectura com características defensivas. Nesse sentido surgiu a torre (habitação do senhor ou do nobre), situada numa elevação natural ou artificial, para uma maior segurança; ao seu redor era construída, em terra ou madeira, uma paliçada e um fosso com água, que defendiam a torre, as casas dos populares, os estábulos e os celeiros. A partir do séc. XI, devido a novas tácticas de defesa e armamento, as torres passaram a ser construídas em pedra. Apresentavam um aspecto fortificado e austero, com paredes grossas e altas; tinham forma quadrangular, reforçada por contrafortes salientes, e uma planta muito simples (duas ou três divisões unidas, sem espaços de ligação). As mais complexas possuíam no piso inferior um átrio com uma loja ou oficina; no segundo piso uma sala, a aula, que servia, por vezes, como local de reuniões de família, e a capella (oratório); no terceiro piso situavam-se os aposentos. A entrada da torre era bastante peculiar pois o acesso era feito directamente para o primeiro piso, através de uma escada em madeira que era retirada em momentos de perigo.

 

Torre de D. Urraca, Espanha, séc. X

 

 

Devido ao contacto com o Oriente das cruzadas, as torres evoluíram no sentido do castelo, que apresentava todas as características da torre, mas ocupava um maior espaço e continha mais elementos arquitectónicos como: uma dupla muralha com paredes compactas, terminada em ameias (aberturas no parapeito da muralha que serviam para os defensores avistarem os inimigos), rodeada pelo adarve ou caminho da ronda com baluartes com seteiras (aberturas na muralha para, como o nome indica, se lançarem setas ou flechas) nas guaritas, fosso (escavação profunda e regular, destinada a dificultar e, principalmente, impedir o acesso do inimigo  e, desde o séc. XII, por cima das entradas, mata-cães; possuíam uma torre de menagem, que permitia a segurança do castelo; o pátio exterior; a capela; as cisternas; as casas das guarnições e dos cavaleiros; as cavalariças e os armazéns;

 

Torre de menagem do Castelo de Monsaraz, Portugal

 

Castelo de Peyrepertuse, França

 

 

 

» Arquitectura religiosa

 

- Na formação desta tipologia tiveram grande importância os ensinamentos das ordens religiosas de Cluny (a partir de 984) e de Cister (a partir de 1100): o estilo cluniacense, de ornamentação profusa e muito luxuosa, com pinturas murais e esculturas decorativas, contrastava, sem dúvida, com a grande sobriedade cisterciense, cujas construções possuíam paredes nuas, quase sem elementos decorativos;

- A Europa Medieval, como afirmou Raoul Glaber, "cobriu-se com um manto branco de igrejas", todas elas unidas pela mesma fé e pelos mesmos princípios, mas com uma grande diversidade formal, com particularidades próprias de cada região. Foi esta diversidade na unidade que mais caracterizou o Românico;

- A catedral (também denominada por igreja, na linguagem comum): Definida a partir do século XI, apresenta como novidade em relação às anteriores o facto de ser totalmente abobadada em pedra, substituindo os tectos em madeira: a nave principal era coberta por abóbadas de berço ou canhão, que em alguns casos eram substituídas por cúpulas e as naves laterais eram cobertas por abóbadas de aresta (cruzamento na perpendicular de duas abóbadas de berço, da mesma dimensão e ao mesmo nível);

 

Interior da Catedral de Durham, Inglaterra: salientam-se as abóbadas de aresta e as grossas colunas

 

 

- Articulação em planta da catedral românica: As igrejas românicas seguem dois modelos: o menos utilizado, de planta centrada, em cruz grega, hexagonal, octogonal ou circular, de influência oriental; e o dominante, de tipo basilical, em cruz latina, com três, cinco ou sete naves. As naves da catedral são atravessadas por uma outra, o transepto, que podia ter apenas uma nave ou ser tripartido como o corpo da igreja e que confere ao edifício a sua forma cruciforme; no ponto de cruzamento aparece o cruzeiro, encimado pelo zimbório ou torre lanterna (sistema de iluminação e arejamento da igreja); no lado nascente do transepto abrem-se um ou dois absidíolos, que por vezes eram colocados no alinhamento das naves laterais; a nave central conduz à abside central, que contém a capela-mor onde se situa o altar e o coro. Devido ao aumento do culto, foi necessário construir mais altares onde se celebravam vários ofícios ao mesmo tempo; para tal, foi construído o deambulatório (espécie de corredor ou nave curvilínea), que contorna a abside e geralmente possui três a cinco capelas radiantes (que serviam para instalar os altares secundários). Este em conjunto com a abside forma a cabeceira. As igrejas de peregrinação possuíam uma cripta, local onde se depositavam e veneravam os restos mortais e/ou as relíquias dos santos e onde se realizavam cerimónias religiosas; em alguns casos a igreja românica é precedida por um nártex, que serve de vestíbulo à igreja (influência da basílica cristã); destinava-se a abrigar os catecúmenos (não baptizados), os energúmenos (possuídos dos demónio) e os penitentes; ou por um átrio, um recinto aberto, espécie de pátio quadrangular rodeado por quatro alas abobadadas e colunadas. Consoante as regiões, a catedral podia ter uma ou duas torres sineiras, que ladeavam a fachada principal e possuíam diversas aberturas que difundiam a luz para a nave principal;

 


Igreja de Saint Gilles-du-Gard, França

 

 

- Alçado interno da catedral românica (desenho do edifício projectado num plano vertical, perpendicular à base): As igrejas são constituídas pela arcada principal, que divide a nave central das laterais e é formada por pilares ou colunas; pela tribuna, uma espécie de galeria semiabobadada, aberta para a nave central, que se destinava às mulheres que iam sozinhas à igreja, pois daí se assistia aos ofícios religiosos; pelo trifório, formado por arcos e que, por vezes, substituía a tribuna e interligava o pequeno corredor situado acima da nave lateral à nave principal (na inexistência desse corredor, o trifório era apenas uma arcatura decorativa cega); e pelo clerestório, a zona de iluminação da igreja que fica pegado aos arcos do tecto, constituído por janelas ou frestas;

 

Catedral de Malmesbury, Inglaterra: na imagem pode-se ver a arcada principal (nível inferior), o trifório (nível intemédio) e o clerestório (nível superior)

 

 

- Devido ao equilíbrio de forças necessário à sustentação das abóbadas, as paredes da catedral românica são grossas, compactas e com poucas aberturas. Isto confere aos interiores, um clima místico de paz e recolhimento, propício à reflexão e à oração;

 

Igreja de Notre-Dame du Port, França, séc. XI

 

Igreja de Notre-Dame-la-Grande, França, 1143

 

Igreja de Santa Madalena de Vézelay, França, 1120

 

Catedral de Modena, Itália

 

Abadia de Santa Maria Laach, Alemanha, séc. XI

 

Basílica de Saint-Sernin de Toulouse, França, séc. XI: vista da abside e da torre-lanterna, sobre o cruzeiro

 

Basílica de Saint-Foy, França

 

 

Vista exterior da abside principal da Basílica de Santa Giulia, Itália, séc. XII

 

 

- O efeito geral da catedral românica é de grande solidez e robustez, reforçado pelos contrafortes salientes e chafrados ou adossados, situados exteriormente no mesmo alinhamentos dos pilares ou colunas que serviam para sustentar as abóbadas ou as cúpulas utilizadas na cobertura; outra das principais características da igreja românica é a horizontalidade;

 

Igreja de S. Pedro de Vilanova de Dozón, Espanha

 

 

- A decoração esculpida das igrejas românicas possui influências bárbaras e bizantinas. Os relevos, ornamentais, figurativos e sobretudo didácticos, distruibuem-se interna e externamente. No exterior do edifício, a decoração escultórica  estava limitada ao portal e à cornija: as cornijas (remate logo a seguir ao telhado) eram decoradas com arcos cegos e cachorradas (conjunto de cachorros, isto é, peças salientes esculpidas), que podiam ter também uma função de suporte da cornija. Os cachorros possuíam formas geométricas, zoomórficas e antropomórficas (as últimas exerciam uma função de educação moral, cívica e religiosa, ou de crítica social e política); a fechar os algeroses (caleiras) existiam gárgulas, que serviam para escoar a água da chuva e podiam ter tanto uma forma simples como serem aproveitadas para a representação de motivos animalistas e míticos;

 

Gárgulas da Igreja de Saint-Foy, França

 

 

Na fachada principal da catedral os elementos decorativos que mais se destacam são as rosáceas (além de decorarem o exterior do edifício, também iluminavam o interior), trabalhadas com motivos geométricos e florais; os grandes janelões (que possuíam as mesmas funções da rosácea); e o portal, que tanto podia ser simples como encaixado num pórtico saliente. O mais vulgar possui: uma entrada chanfrada, ou ombreira, ornamentada com colunelos; uma porta simples ou dupla, que tem a meio do vão uma coluna, também esculpida (mainel), que sustenta a arquitrave (lintel ou dintel), decorada com um relevo esculpido; e um tímpano, espaço semicircular circundado por arcos de volta inteira (arquivoltas), sustentado pelo lintel;

 

Rosácea da Catedral de Durham, Inglaterra

 

Portal da Catedral de Saint Lazare, França: detalhe do tímpano (fig. 2), do mainel e do lintel (fig. 3)

 

Tímpano do portal da catedral de Santiago de Compostela, Espanha

   

Decoração do lintel da Catedral de Santo André, França

 

Portal da Igreja de S. Jorge, Hungria

 

 

- O mosteiro: À sombra destes viveram monges (como os das ordens de Cluny e de Cister) ou monges cavaleiros (como os Hospitalários e Templários), que foram inicialmente os detentores do saber. Coube quase por inteiro aos mosteiros a difusão do estilo românico, visto que eram os mais importantes núcleos culturais  e artísticos deste período. Seguido o ideal ascético da fuga mundi, os mosteiros eram quase todos instalados em zonas isoladas, no alto das montanhas ou em vales e clareiras das florestas, embora alguns existissem no seio das cidades. Eram uma espécie de pequenos mundos autónomos e auto-suficientes, virados para o seu interior e fechados ao exterior por muralhas e portas; foram edifícios de grande complexidade que correspondiam a uma tipologia arquitectónica ditada pelas ordens religiosas. Era constituído por várias dependências necessárias à vida comunitária e à oração - igreja, sacristia, sala capitular, scriptorium, dormitórios, etc. -, distribuídas em três alas arquitectónicas, dispostas ao redor de um espaço quadrangular aberto (o jardim) e rodeado por galerias com arcos de volta inteira apoiados em colunas - o claustro - que ficava adossado ao lado sul da igreja, que o encerrava no fim e era o centro organizador do mosteiro. Possuía uma cuidada decoração escultórica, rica em contrastes de luz e sombra, o que dava ao local uma sensação de paz e recolhimento. Cada uma das alas do mosteiro tinha uma função específica: a que era perpendicular à igreja era chamada de ala dos monges pois continha a sacristia, a sala capitular, as "oficinas" e a escadaria que dava acesso ao dormitório, que ficava por cima destas dependências; na ala oposta à igreja, perpendicular à anterior, situava-se o refeitório, ladeado pelas cozinhas e despensas, o armazém e, por vezes, uma hospedaria; e a ala colada à igreja continha o mandatum, onde se lavavam os pés aos monges acolhidos como hóspedes na comunidade. Técnica e construtivamente, estes edifícios utilizaram as descobertas e invenções obtidas na tipologia anterior, apresentando praticamente todas as suas caracteristicas.

 

Mosteiro de Santa Maria de Armenteira, Espanha

 

Ruínas do Mosteiro de Fountains, Inglaterra



 Abadia cisterciense de Fontfroide, França, séc. XI

 

Mosteiro de San Cugat, Barcelona, Espanha

 

 

Publicado Por Cíntia Pontes às 22:21
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Quarta-feira, 4 de Fevereiro de 2009

A Coluna de Trajano

 

A Coluna de Trajano

 

 

A Coluna de Trajano pertence á tipologia da arquitectura comemorativa romana e pensa-se que tenha sido inspirada nos obeliscos egípcios. É um monumento urbanístico, simultaneamente arquitectura e escultura, que teve a função de assinalar um momento histórico, conferindo-lhe um carácter documental e honorífico.

Foi construída em 112-114, em Roma, no Fórum de Trajano, sobre o túmulo desse imperador, para comemorar a vitória dos Romanos contra os Dácios.

 

A Coluna de Trajano inserida no Fórum

 

 

A sua construção foi concebida e dirigida pelo arquitecto Apolodoro de Damasco e demonstra o espírito histórico e triunfalista dos Romanos que, de um modo original, glorificaram o seu imperador.

A coluna possui cerca de 37 metros. O seu fuste é oco - no interior existe uma escada em espiral, feita em mármore branco, que ascende até ao topo - e assenta sobre um tambor ou pedestal, de forma cúbica, também oco e decorado com relevos de troféus militares. Este tinha uma porta em bronze, no cima da qual existia uma inscrição dedicatória. Fazendo a transição entre o plinto e a coluna, existe um toro coberto de coroas de louro.

É decorada com um relevo historiado que se desenrola á volta da coluna e que conta os inúmeros acontecimentos das duas campanhas de Dácia, encobrindo ainda as 43 janelas que iluminam a escadaria interior. No topo da coluna existe um capitel dórico monumental, que era encimado por uma águia de bronze, símbolo do Império. Mais tarde foi substituída por uma estátua em bronze de Trajano e actualmente possui uma estátua de S. Pedro, colocada em 1588.

Pormenor do capitel da coluna e da estátua de S. Pedro que a encima

 

 

A narrativa da coluna é feita através de diversas cenas em mármore que descrevem aspectos geográficos, logísticos e políticos da campanha. Mas o que sobressai de toda a representação é a magnanimidade do imperador, que acolhe os vencidos com generosidade. O imperador é mostrado como o grande protagonista que dirige e orienta os trabalhos, intervém nas batalhas e acode nas situações complicadas.

 

 

Pormenor do relevo historiado da Coluna de Trajano

 

 

As cenas são realistas e tratadas de modo natural, sucedendo-se umas às outras, sem separações ou linhas divisórias. Esta narrativa apresenta um verdadeiro “horror ao vazio”, devido à sua densidade e grande número de personagens.

O escultor trabalhou habilmente este relevo em friso com uma pequena profundidade no talhe, para que os efeitos de luz e sombra não prejudicassem a leitura das cenas quando vistas de baixo.

O relevo desta coluna é considerado uma das obras mais ambiciosas do mundo antigo, sendo muito maior e mais perfeccionista que o friso das Panateneias do Templo do Pártenon.


 

 

Publicado Por Cíntia Pontes às 09:30
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Domingo, 1 de Fevereiro de 2009

A Arte da Antiguidade Clássica - Arte Romana (Continuação)

 

ESCULTURA

 

- A escultura romana revela características realistas, centradas na personalidade do indivíduo, com influências da arte etrusca e da arte grega do período clássico e, principalmente, helenístico, porque os Romanos preferiram o realismo emocional da representação à perfeição idealizada e quase "sagrada", pois aquele estava mais de acordo com o seu espírito prático e pragmático;

- Mais realista que idealista, a estatuária romana teve o seu maior êxito nos retratos, normalmente em forma de busto. Reproduziam exactamente o modelo, acentuando até os “defeitos”, as “disformidades” e as características fisionómicas dos olhos, das sobrancelhas, da boca, barba e cabelo, bem como marcas do tempo e do sofrimento humanos. Deste modo a escultura romana conseguiu atingir o seu propósito: eternizar a memória dos homens através de imagens reais que evidenciavam o carácter, a honra, a glória e a psicologia do retratado, com um carácter quase fotográfico;

- No séc. I a.C., durante o governo de Octávio César Augusto, o retrato começa a sofrer mudanças e a mostrar nítidas influências do ideal grego, sobretudo no retrato oficial: visto que os imperadores se tornavam deuses após a morte, os seus retratos e estátuas apresentavam-no de um modo mais classizante, mais idealizado e mais divino, mas por outro lado também mais grave, para ser admirado, respeitado e honrado; as figuras adquiriram uma pose mais triunfal, majestosa e bela, embora, algumas partes do corpo, principalmente a cabeça, continuassem plenas de verismo, mostrando as feições naturais do representado. Feitos em materiais como a pedra e o bronze e cunhados em moedas, os retratos foram o espelho do poder imperial e um elemento de unificação do território, pois os retratos do imperador chegavam a todas as partes do império;
- A época do Alto Império ficou marcada pela grande produção escultórica e pelo facto de, pela primeira vez, se poder falar em consumo privado de Arte e no gosto pela obra de arte em si mesma, desenvolvendo-se a paixão pelo coleccionismo, bastante "banal" nos tempos de hoje;

- A decadência do império (sécs. IV e V d.C.) correspondeu a uma fase de simplificação na escultura: as figuras começaram a apresentar uma grande influência da estética oriental, com o seu frontalismo e hieratismo e feições mais abstractas e simplificadas, principalmente no retrato; houve também uma perda progressiva da noção de perspectiva e profundidade. O Cristianismo também marcou esta fase com o seu esquematismo e simbolismo da figuração, pois os seus conceitos de imortal e espiritual, converteram a representação humana em símbolos; deste modo o retrato oficial perdeu a sua carga de individualidade;

- Dividiu-se em três tipologias:

  • As estátuas e as estátuas equestres, que possuíam funções públicas - documentais, celebradoras, comemorativas e, por vezes, decorativas - e eram plenas de verismo e um certo idealismo. Em qualquer uma delas sobressai principalmente o retrato propriamente dito, que se pauta por um grande realismo, não descurando a fisionomia do rosto e enfatizando a descrição da personalidade do representado sobretudo nos olhos e na expressão do olhar. Os romanos fizeram também cópias de muitas estátuas gregas, pelo grande encanto e admiração que tinham por elas;

Estátua-retrato de Augusto de Prima Porta, séc. I a.C e a estátua do patricío Barberini, 30 a.C, respectivamente

 


Pormenor da estátua-retrato de Augusto como Pontífice Máximo

 

 

 

Busto de Marco Aurélio, de Brutus Capitolino e de Júlio César, respectivamente

 

 Estátua de Dionísio, cópia romana de uma obra grega

 

Estátua equestre em bronze de Marco Aurélio, séc. II d.C.

 

 

Fragmentos da estátua colossal de Constantino

 

  • Os relevos, que tinham funções ornamentais, comemorativas e narrativas ou históricas e recorreram a algumas técnicas usadas na pintura: conseguiram obter profundidade e efeitos de perspectiva através da gradação dos planos, em conjunto com diferentes tipos de relevo (alto, médio e baixo, até ao esmagamento) e utilizaram a figura em escorço, principalmente nas cenas militares, de modo a transmitirem a noção de esforço e sofrimento. A narração decorria em cenas contínuas onde a figura principal se encontra repetida, as figuras secundárias dispostas lado a lado e as restantes colocadas em planos mais recuados. As figuras eram produzidas de modo fidedigno e demonstravam o grande gosto dos romanos pela representação minuciosa e verista. 

Pormenor de um dos relevos do Arco de Tito

 

 

Relevos do Ara Pacis, altar da paz

 

Detalhe do relevo romano "Marco Aurélio e os bárbaros", séc. II d.C.

 

 

Publicado Por Cíntia Pontes às 22:31
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Sexta-feira, 10 de Outubro de 2008

A Arte da Antiguidade Clássica - Arte Grega (Continuação)

 

ESCULTURA

 

- A escultura grega cumpriu funções religiosas, políticas, honoríficas, funerárias e ornamentais e possuía uma temática exclusivamente humana;

Relevo funerário

 

- Dividiu-se em três períodos:

» Período Arcaico (séc. VIII a V a.C.) - Influências das culturas egípcia, assíria, cretense e micénica; materiais como a madeira, a pedra e a terracota; neste período as esculturas mais importantes são os altos e baixos-relevos (quando as esculturas sobressaem da parede com metade ou mais do respectivo volume, ou quando sobressaem com menos de metade, respectivamente), que se encontram principalmente nos frisos, métopas e tímpanos dos templos (neste caso os temas eram principalmente mitológicos pois os templos serviam para o culto divino). As figuras apresentam uma posição hierática (rígida), sem expressividade ou naturalismo; os corpos possuem uma anatomia apontada esquematicamente e gestos bastante rígidos, quase estáticos; geralmente têm a perna esquerda avançada sobre a direita (influência da lei da frontalidade egípcia) e os braços caídos ao longo do corpo ou a mão direita sobre o peito, em sinal de adoração; os rostos são orientalizantes, os olhos oblíquos e amendoados, as maçãs do rosto salientes e a barba e os cabelos simplificados e geometrizados; existiam dois tipos básicos de figuras: o kouros (singular de kouroi), representação masculina de um jovem nu e símbolo da juventude e da plenitude; e a koré (singular de korai), jovens virgens, vestidas com longas túnicas pregueadas e pintadas com cores luminosas, vivas e cintilantes. Os seus rostos simétricos, com leves e enigmáticos sorrisos e cabelos longos, ondulados ou entrançados, possuem uma imobilidade serena e graciosa;


    

                Hera de Samos                                   Dama de Auxerre

 

          Koré de Chios                   Koré de Peplos         Koré dos olhos de amêndoa

 

       

Kouros grego

 

 

O Moscóforo

 

 

- A transição para o período clássico inaugura-se com duas obras em estilo severo (séc. V a.C.), feitas em bronze, que apresentam uma maior expressividade e realismo e um carácter imponente: O Auriga de Delfos e Poseídon (figuras em baixo, respectivamente).

 

  

 

 

» Período Clássico (sécs. V e IV a.C.) - As figuras ganham uma maior aproximação do real, o tratamento do corpo é muito mais realista e denota-se uma maior expressividade nos rostos, gestos e movimentos e uma preocupação com as proporções, devido á influência dos cânones. A partir do séc. IV a.C., a escultura passa a ser marcada por um aspecto mais gracioso, sedutor, harmonioso, elegante e dinâmico e é introduzido o nu feminino; as figuras ganham uma pose mais elegante e natural, e a beleza do ser humano é idealizada, tentando atingir a perfeição total, com esculturas de jovens nus atléticos e belos; ainda neste período é introduzida a verdadeira noção de vulto redondo, que rompeu com o rigor da frontalidade, podendo as estátuas ser vistas de todos os ângulos; é utilizado o bronze a o mármore branco em praticamente todas as esculturas;

 

   

      Afrodite de Cnido, Praxíteles                        O Discóbolo, Míron

 


Hermes e Dionísio, Praxíteles, cópia romana

 

  

                     Doríforo, Policleto                        Afrodite de Siracusa, Praxíteles

 

Ménade, Scopas

 

 

Outras esculturas gregas do período clássico

 

 

» Período Helenístico (sécs. III a I a.C.) - Neste século, o "realismo idealista" dá lugar ao "naturalismo", seguido do "realismo expressivo". Os grupos escultóricos sucedem-se ás estátuas individuais e desenvolve-se o gosto pelo retrato e pelas cenas do quotidiano que são captadas com tal realismo que dá ênfase até às disformidades físicas do Homem e às representações da infância e da velhice (que até agora não tinham sido representadas); a serenidade típica das esculturas gregas é substítuida pelo dramatismo e pelos efeitos teatrais revelados nos gestos e movimentos, por vezes exagerados, e pelos rostos carregados de emoção. Surge um grande gosto pelas figuras em escorço e pelas contorções do corpo humano, que possui agora formas musculares muito mais  acentuadas, elasticidade e grande elegância. Neste período é introduzido, pela primeira vez, o nu feminino na arte grega. Já em pleno período romano, tornam-se populares as conhecidas estatuetas de Tanagra (pequenas figuras em barro policromado), cópias de originais clássicos, inspiradas em cenas pitorescas do quotidiano e da religião, que constítuiram uma arte delicada e requintada de salão, destinada ao consumo privado das elites, o que mostra a complexidade e erudição da sociedade grega deste período.

 

Estatueta de Tanagra

 

O Gaulês Moribundo

 

 

O grupo Laocoonte

 

O chamado Gálata Ludovisi, Epígonos

 

 

A velha bêbada

 

 

O Boxeador do Quirinal

 

      

            Vénus de Milo                                 Vitória de Samotrácia

 

Menino com ganso

 

Publicado Por Cíntia Pontes às 20:46
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Segunda-feira, 25 de Agosto de 2008

A Arte da Antiguidade - Arte Etrusca

 

 

A arte etrusca refere-se à arte da antiga civilização da Etrúria localizada na Itália central (actual Toscana) e que teve o seu apogeu artístico entre os séculos VIII e II a.C.

As origens deste povo, e consequentemente do estilo, remontam aos povos que habitavam a região (ou a partir dela se deslocaram) da Ásia Menor durante a Idade do Bronze e a Idade do Ferro , mas também de outras culturas influenciaram a sua arte (por proximidade ou contacto comercial), como a assíria, egípcia, fenícia, grega e a oriental. Mas o seu aparente carácter helenístico simples (visto que o  seu florescimento coincide com o período arcaico grego) esconde um estilo único e inovador de características muito próprias que viria a influenciar profundamente a arte grega e romana.

 

- Os artistas etruscos eram artesãos de grande habilidade. Executaram objectos (esculturas, peças em cerâmica, espelhos, caixas, etc) de grande qualidade e maestria utilizando materiais como a terracota, a pedra, o barro, o bronze e outros metais;

         

         Estátua em bronze

 

   

Esculturas em terracota

 

Escultura em pedra

 

Relevos em bronze

 

Relevos em pedra

 

Espelho em bronze

 

 Jarro em barro

 

 

 Cerâmica etrusca

 

 

- Conceberam também peças de joalharia em ouro, prata e marfim e um tipo de cerâmica negra denominada Bucchero.

 

  

  

 

 

ARQUITECTURA

 

Para além de uma grande variedade de artes decorativas, os etruscos desenvolveram construções arquitectónicas tais como templos religiosos que se assemelhavam aos templos gregos mais simples, mas sem a típica elegância dos mesmos e com algumas diferenças: eram templos de pequenas dimensões, com planta rectangular e sem peristilo; possuiam base em pedra, estrutura em madeira e revestimento em barro na arquitrave e beirais; pelo lado Sul e subindo os degraus do podium, tinha-se acesso a um pórtico com duas filas de quatro colunas; construiram também palácios, edifícios públicos, aquedutos, pontes, esgotos, muralhas defensivas e desenvolveram projectos de urbanismo onde a cidade se articulava a partir de um centro que resultava da intersecção das duas vias principais (cardo, sentido Norte-Sul e decumanos, sentido Este-Oeste). Utilizaram o arco de volta-perfeita, a abóbada de canhão e a cúpula.


    

Utilização do arco de volta-perfeita numa construção etrusca

 

 

 

ARTE FUNERÁRIA

 

Em escavações feitas em túmulos subterrâneos encontraram-se urnas de barro (onde se colocavam os restos mortais) com elementos escultóricos que representavam elementos anatómicos do falecido (por exemplo, tampas em forma de cabeça); bustos (invenção etrusca); esculturas e relevos em sarcófagos onde, numa fase posterior, as figuras humanas, em tamanho real, surgem reclinadas sobre a tampa como se de um leito se tratasse (estátuas jacentes). Embora a estatuária etrusca apresente uma nítida influência grega, no caso das estátuas jacentes, os etruscos não usaram a pedra, mas sim materiais mais brandos que possibilitaram uma modelação mais elástica, fluida e arredondada, dando ás figuras uma natural espontaneidade e naturalismo.

 


Busto em bronze

 

Urnas etruscas

 

As câmaras funerárias, que retratam o interior de uma habitação, possuem tecto em abóbada ou falsa cúpula e são revestidas de pinturas murais a fresco, que retratam cenas mitológicas, do quotidiano e rituais funerários, com carácter bi-dimensional, estilizado (formas delineadas a negro) e com cores vivas e atmosfera jovial. Numa fase posterior, esta atitude de festividade perante a morte sofre alterações, possivelmente pela influência da arte grega do período clássico - as figuras passam a ter uma atitude pensativa e de incerteza perante o final da vida e as pinturas tornam-se mais sombrias e mórbidas, encendo-se de demónios e monstros que acompanham os mortos para o mundo subterrâneo.

Praticam ainda pinturas a fresco com temas narrativos e anedóticos. As cores mais usadas foram o vermelho, verde e o azul pois possuiam conotações religiosas.

 

 

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Quarta-feira, 20 de Agosto de 2008

A Arte da Antiguidade - Arte Fenícia

 

A arte fenícia refere-se à expressão artística dos Fenícios, um povo semita do Mundo Antigo. A sua origem é desconhecida, mas sabe-se que se estabeleceram na Fenícia (região mediterrânea correspondente ao Líbano, Síria e Israel) por volta de 3000 a.C.

Os Fenícios eram altamente civilizados (inventaram um sistema de escrita anterior ao alfabeto moderno) e eram hábeis comerciantes marítimos. Atingiram o auge do poderio entre 1200 e 800 a.C. Foram conquistados pelos Persas no séc. VI a.C. 

 

- A constante presença de potências estrangeiras na vida cultural dos fenícios e a preocupação com os negócios, foram provavelmente as causas da sua pouca originalidade nas criações artísticas: as sepulturas fenícias, por exemplo, eram decoradas com motivos egípcios ou mesopotâmicos;

- Apesar de serem mais habilidosos que criativos foram encontradas pequenas tábuas de argila contendo documentos administrativos, cânticos religiosos, hinos e textos mitológicos que trouxeram maiores informações sobre as crenças religiosas desse povo;

- Os fenícios erguiam altares nas partes mais altas de suas cidades para sacrificar pequenos animais que serviam de oferenda aos seus deuses, que representavam fenómenos da Natureza;

- Influências da arte egípcia, mesopotâmica, egeia (principalmente micénica) e grega;

 

 

 

ARQUITECTURA

 

- Templos com grandes pátios e altar principal; são comuns elementos decorativos como colunas, estátuas e estelas;

- Devido ao pouco espaço territorial, os fenícios obras que se pautam pela verticalidade;

- As cidades fenícias são cercadas por muralhas; os bairros possuem casas com vários pavimentos, uma zona portuária, templos e o palácio do príncipe local.

Ruínas de Cartago

 

Colunas das ruínas de Cartago

 

Ruínas de um templo

 

 

ESCULTURA

 

- Representação de divindades e outras figuras em pedra, marfim e terracota, assim como vasos;

        

  

 

 

- Estelas funerárias, pequenos altares e sarcófagos;

  

  

   

 

 

- Os fenícios viajam muito devido á prática do comércio e por isso a sua arte é muito influenciada pela cultura de outros povos. Um bom exemplo é a arte funerária. Usaram túmulos precedidos de um corredor, de típica influência micénica; alguns foram decorados com motivos egípcios e outros ainda, assemelham-se a templos gregos;

- Os trabalhos em marfim (pentes, estojos, estatuetas, etc) e em metal (cobre, ouro, prata e bronze - objectos santuários, jóias de alto valor, moedas, etc) constituem uma das actividades artesanais mais apreciadas pelos fenícios, assim como o mobiliário doméstico; estes objectos eram decorados com cenas do quotidiano e motivos animais; eram representações bastante naturalistas e realistas.

  

 

 

 

 

PINTURA

 

- Acompanha a escultura pois os pintores trabalhavam as obras de arte esculpidas.

  

 
Publicado Por Cíntia Pontes às 18:54
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Quarta-feira, 13 de Agosto de 2008

A Arte da Antiguidade - Arte Egeia (Continuação)

 

ARTE MICÉNICA

 
- Caracterizou-se principalmente pelo desenvolvimento da arquitectura, tendo como modelo o megaron micénico (sala central do palácio de Micenas); contrariamente à arquitectura minóica, a micénica possui um forte sentido militar onde se observam fortalezas rodeadas de muralhas edificadas em pedra com grande precisão. O palácio divide-se em três áreas simples: um pórtico com duas colunas leva à antecâmara que antecede a grande sala de audiências, rectangular e com quatro colunas a envolver uma lareira central circular; ao redor dos palácios, no interior da cidadela, e também do lado de fora, junto às muralhas, haviam várias casas de planta retangular e diversos cômodos, um deles habitualmente com lareira. As paredes eram de tijolo seco ao Sol, barro comprimido reforçado com cascalho, vigas de madeira, ou uma combinação disso; as fundações eram de pedra, ou de simples cascalho misturado com barro. O telhado era provavelmente plano, composto de uma estrutura de madeira recoberta de reboco ou terra - casas dos cidadãos mais ricos e influentes da sociedade micénica; os mais pobres viviam em cabanas de um ou dois cômodos situadas fora das muralhas. As paredes eram de tijolos secos ao sol ou de madeira, o chão era de terra batida e o telhado, plano, era em geral recoberto de palha;

 

Fundações de uma casa particular localizada do lado de fora das muralhas da cidadela de Micenas

 

Reconstituição da acrópole de Micenas

 

Galeria da muralha de Tirinto

 

 

- Desenvolveu-se ainda o artesanato em cerâmica, decorados com cenas do quotidiano e motivos florais e animais;

 

 

                                                 Cabeça de touro          

 

 

                                   

        

 

  

Vaso decorado com cena de funeral e prossição

 

 

 

  

 

 

- Apesar da forte influência cretense, a arte micénica desenvolveu elementos peculiares, distanciando-se das influências orientais; do Antigo Egipto receberam  influências relacionadas com o culto dos mortos, nomeadamente no que diz respeito à construção de câmaras funerárias em pedra;

- A escultura  foi uma modalidade pouco praticada. Destacam-se os relevos tumulares, cujos temas eram cenas de caça e guerra, com as populares espirais interligadas; as esculturas em pequena escala, em terracota pintada, como as "deusas do lar" - phi e psi (figuras femininas de pé, em diversas atitudes, e com grande estilização) e as "deusas domésticas" (estatuetas femininas pintadas, de base cilíndrica, traços estilizados e braços levantados, e pequenas figuras de animais com desenhos pintados) e ainda as esculturas em grande escala associadas á arquitectura (como a Porta dos Leões, em Micenas, onde se vêm dois leões virados para uma coluna micénica, inseridos na muralha defensiva. Neste exemplo são notórias as semelhanças com a tradição da escultura mesopotâmica, pela imponência e severidade formal);

 

  

Porta dos Leões

 

Relevo tumular

 

Pequena escultura em marfim de uma pyxis (caixa de cosméticos)

 

    

Estatuetas em terracota e marfim, respectivamente

 

- Primorosos trabalhos em metal e outros materiais e a joalharia, que receberam grande influência da arte minóica, no tratamento formal e na técnica (se é que não terão mesmo sido produzidos por artesãos vindos de Creta); destacam-se os punhais com incrustações, ornamentos para indumentária, diademas, broches, alfinetes, colares e as famosas máscaras funerárias em ouro, que serviam para cobrir o rosto do falecido;

Jóias do Tesouro de Egina

 

Máscara funerária de Agamémnon, ouro

 

Anel em sinete de ouro, com cena de caça

 

Diadema em ouro

 

Pormenor de uma arma micénica, bronze e incrustações em ouro, prata e niello

 

Taça em ouro

 

Vaso de cristal de rocha em forma de pato

 

- A pintura micénica teve como principais temas a representação da vida animal (como golfinhos, pássaros, cobras, touros e principalmente felinos, como o leopardo e o leão e ainda animais heráldicos, como grifos) onde é regra aparecerem com as patas dianteiras e traseiras esticadas, símbolo de movimento; cenas de caça, guerra, da vida quotidiana e procissões rituais.

 

Reconstituição do Megaron do Palácio de Nestor, pinturas a fresco que representam leões e grifos

 

É comum também apareceram elementos da flora marítima e a espiral, elemento decorativo muito usado, até na arquitectura; a tipologia mais usada na pintura, pela civilização micénica foi a pintura mural a fresco, cujos temas eram cenas do quotidiano e descrições do mundo natural; obras plenas de naturalismo, vivacidade e movimento. A arte micénica, em comparação com a dos minóicos, era solene.

 

  

 

Publicado Por Cíntia Pontes às 21:20
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Sábado, 9 de Agosto de 2008

A Arte da Antiguidade - Arte Egeia

 

A Arte Egeia ou Arte do Mar Egeu está associada às civilizações que floresceram no mar Egeu antes do aparecimento dos Gregos por volta de 3000 a.C. e que foram principalmente três:

 

Civilização Cicládica -  Civilização do começo da Idade do Bronze, nas Ilhas Cíclades, que durou aproximadamente de 3000 a 2000 a.C;

Civilização Minóica ou Cretense - Civilização que se desenvolveu na Ilha de Creta entre 2700 e 1450 a.C. (O termo "minóico" deriva de "Minos", título dado ao Rei de Creta);

Civilização Micénica - Refere-se à cultura dos aqueus, um povo que se estabeleceu na costa sudoeste da Grécia aproximadamente entre 1600 e 1100 a.C., no período final da Idade do Bronze, e que conquistou a ilha de Creta por volta de 1450 a.C.

 

 

ARTE CICLÁDICA

 

- Cerâmica decorada com formas lineares, espirais e curvilíneas;

 

 

- Ídolos esculpidos em mármore que vão de poucos centímetros ao tamanho natural, com características abstratas: a cabeça é um ovóide e o único relevo é o nariz; 

- Pequenas figuras de homens tocando lira ou flauta e mulheres segurando crianças;

- Simplicidade, austeridade, singeleza, contenção das expressões religiosas, ausência de ornamentos, formas minimalistas.

 

             

              

 

   

 

 


ARTE MINÓICA

 

- Na arquitectura foram usados materiais como o tijolo, a pedra e o barro. Destacou-se a construção de palácios, símbolo da vida política, religiosa e cultural da civilização minóica, que apresentavam estruturas complexas: eram compostos por um amplo pátio interno central, várias escadarias, pequenos jardins e recintos reservados para cultos religiosos. A esses mesmos estavam associadas casas (retangulares, externamente amplas, com o interior dividido em muitos cômodos pequenos), lojas, banhos, oficinas e armazéns;

 


Sala do Trono

 

Uma das salas do palácio

 

 

Palácio de Cnossos (ou Minos)

 

Palácio minóico

 

- As paredes dos palácios eram decoradas com magníficas pinturas a fresco que representavam animais selvagens e domésticos (principalmente o touro), figuras humanas em cenas como festas, casamentos e colheitas e ainda figuras geométricas, plenas de cores vivas e garridas; as pinturas apresentavam um certo grau de estilização egípcia que se evidencia no modo como se repetem esquematicamente as figuras humanas, mas a representação minóica destaca-se pelo naturalismo, realismo, elasticidade, paixão pelo ritmo, pelas ondas e pela flutuação, bastante ausentes na arte egípcia; figuras leves, espontâneas, delicadas e plenas de vitalidade;

 

Frescos do Palácio de Cnossos

 


A Expedição Naval

 

  

                            Os Antílopes                                           O Pescador

 

 

- A cerâmica, algumas vezes apenas um pouco mais espessa do que a casca de um ovo, destacou-se pela diversidade de formas e funções, progredindo em termos de variedade, refinamento e acabamento. Era decorada com pinturas que apresentavam formas geométricas simples, como triângulos, zigue-zagues e padrões simétricos abstratos. Algumas obras possuíam pequenas imagens do quotidiano, como motivos florais e animais domésticos;

 

     

   

 

 

 

 

- Os trabalhos em metal, o entalhe em pedras preciosas, os selos de pedras e a joalharia também tiveram um papel importante na civilização minóica.

 

Deusa da Serpente (trabalho em metal)

 

Peças de joalharia (detalhes de braceletes)

 

  

 

Publicado Por Cíntia Pontes às 17:02
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Domingo, 3 de Agosto de 2008

A Arte da Antiguidade - Arte Germânica

 

A Arte Germânica ou dos povos germânicos, também conhecida como arte bárbara, refere-se à arte dos povos conhecidos genericamente como bárbaros (mongóis, vândalos, visigodos, alanos, francos, anglo-saxões, suevos, entre outros) que, depois da queda do Império Romano, avançaram definitivamente sobre a Europa. Todos estes povos tiveram uma origem comum na civilização celta e tal como a arte celta também a germânica se manteve até á Idade Média.

A arte germânica, devido á sua originalidade, lançou as bases da arte europeia dos sécs. VIII e IX.

 

- Os bárbaros, como povos nómadas, desenvolveram uma grande destreza no fabrico de objectos facilmente transportáveis, fossem eles de luxo ou utilitários. Deste modo destacam-se na ourivesaria, na fundição e moldagem de metais, tanto para o fabrico de armas como de jóias (braceletes, colares, anéis, etc), e nas técnicas de decoração correspondentes, como a tauxia ou damasquinagem, a entalhadura (arte de cortar ou entalhar a madeira) e a filigrana (trabalho ornamental feito de fios muito finos e pequeninas bolas de metal soldadas de forma a compor um desenho); os desenhos decorativos destas peças baseavam-se em animais estilizados e em motivos geométricos, principalmente, a roda e a cruz. Não se dedicaram ao desenho da figura humana;

 

 

Ourivesaria Germânica

 

Objectos em bronze

 

   

              Cruz visigótica                                      Cálice em ouro

 

Cálice de Ardagh

 

   

Coroas votivas

 

- Quase totalmente desprovidos de arquitectura, os bárbaros apropriaram-se das formas da Antiguidade tardia e da arte Bizantina, às quais acrescentaram alguns elementos próprios.  Os francos (França) usaram nas suas construções salas retangulares de três naves e absidesemisircular, com silharia de madeira para as igrejas, e cúpula para os batistérios; os ostrogodos (Itália) ergueram edifícios mais representativos e ricamente decorados com pinturas a fresco e mosaicos, nos quais combinaram as formas bizantinas com as romanas; os visigodos (Península Ibérica) procederam à recuperação de edifícios romanos nos centros de cada cidade, aos quais juntavam uma igreja cristã, geralmente de planta em forma de cruz latina, com naves de alturas diferentes e decoradas com relevos e frisos;

 



Interiores e exteriores da Igreja de Santa Comba de Bande

 

 

Interiores e exteriores da Igreja de San Pedro de la Nave

 

 

- A escultura em pedra foi destinada à decoração de igrejas e batistérios, na forma de relevos planos, capitéis e sarcófagos, seguindo o estilo do Império Romano. A entalhadura do marfim também foi muito usada e continuou-se com a tradição dos dípticos consulares de influência bizantina, cujas formas foram adoptadas na confecção de capas de livros evangélicos e Bíblias;

 

Dama de Elche

 

- Desenvolveram ainda a pintura de livros e manuscritos - iluminuras (de carácter ornamental, geometrização e elementos zoomórficos) - e a tapeçaria.

 

Uma das ilustrações do Evangelho de Lindisfarne

 

Uma página do livro de Kells

 

Manuscritos

Publicado Por Cíntia Pontes às 19:55
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Quinta-feira, 24 de Julho de 2008

A Arte da Antiguidade - Arte Celta

 

 

A arte Celta é uma das mais ricas manifestações da chamada "arte bárbara". Diz respeito a toda a arte produzida pelos celtas, povos da Europa Central e Ocidental, já desde a Idade do Bronze até à Idade Média (aproximadamente desde o séc. V a.C. até ao séc. I d.C.).

 

- Os celtas desenvolveram uma arte em metal utilizando o alumínio, o ouro, a prata e o bronze, com incisões, relevos e motivos entalhados. Os objectos produzidos cumpriam funções bélicas (decoração de espadas, escudos, armaduras), religiosas (pinturas e esculturas usadas para afastar os maus espíritos ou para glorificar os Deuses e a Natureza), domésticas e estéticas (adornos pessoais). Uma grande variedade de efeitos decorativos de raiz abstracta e geométrica ou zoomórfica era utilizada para ornamentar as superfícies desses objectos;

 

Capacete em bronze - Função bélica


 

Vasilha de prata (Caldeirão Gundestrup) - Função religiosa

 

Bracelete em ouro

Colar em prata

 

Jóias em ouro, com algumas incrustrações de pedras preciosas

 

Ornamento

 

Moedas

 

Bracelete em ouro

 

Cruz celta em alumínio

 

- Embora predominasse o uso do metal, a cerâmica, a pedra, o marfim, o osso, o vidro, o coral (depois substituído pelo esmalte) e o âmbar, não foram excluídos;

 

 

Vaso em cerâmica

 

 

 

- Influências asiáticas e das civilizações do Mediterrâneo (grega, etrusca e romana);

- Utilizaram formas animais e vegetais, criando esculturas com motivos fantásticos;

- A arte Celta sendo essencialmente decorativa, não procurou imitar nem idealizar o real e por isso caracterizou-se pelas tendências geométricas e simétricas;

 

 

- Mistura figuras humanas estilizadas com desenhos abstratos arabescos e espirais;

 

- A arte Celta entrou em declinio no século I a.C. devido à expansão do Império Romano e às incursões de povos germânicos;

- A influência da arte celta encontra-se ainda presente nas iluminuras medievais irlandesas e em muitas manifestações do folclore do Noroeste Europeu, na música e em boa parte da arquitectura da Europa Ocidental. Também muitos dos contos e mitos populares do Ocidente Europeu e a origem do estudo da Filosofia são atribuídos à cultura dos celtas.

 

Publicado Por Cíntia Pontes às 13:42
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